Les morceaux
Face A
01 Arnold Layne (2010 remaster) 2:54
- Début
- La basse de Waters et l'orgue Farfisa posent le motif ; Barrett raconte d'une voix détachée, comme une chronique de quartier.
- Le refrain
- Les chœurs reprennent une mélodie qui tourne sur elle-même.
- Le solo
- Le solo d'orgue de Richard Wright, enregistré à part et inséré au montage : tout le son du premier Pink Floyd.
- Fin
- La chanson se clôt sur une morale de conte pour enfants, dite sans appuyer.
D'où vient ce morceau
Le tout premier single de Pink Floyd, sorti le 10 mars 1967 (Columbia/EMI), avec Candy and a Currant Bun en face B.
Enregistré entre fin janvier et fin février 1967 aux studios Sound Techniques, sous la direction de Joe Boyd ; il
grimpe à la 20e place britannique. Barrett au chant et à la guitare, Wright à l'orgue Farfisa, Waters à la basse, Mason
à la batterie.
Ce que raconte le texte
Arnold dérobe des vêtements de femme sur les cordes à linge, les essaie devant son miroir, se fait prendre et finit en
cellule. Roger Waters a raconté que le personnage venait d'un vrai voleur : sa mère et celle de Barrett logeaient des
étudiantes, et leur linge disparaissait souvent. La chanson ne se moque pas : elle observe Arnold avec une curiosité
amusée, presque tendre. Le sujet a pourtant suffi pour que la radio pirate Radio London refuse de la passer.
La musique
Trois minutes de pop, déjà étranges : une mélodie qui descend en spirale, un orgue de fête foraine un peu inquiétant,
un solo collé au montage. En 2006, Gilmour l'a reprise sur scène avec David Bowie au chant.
02 See Emily Play (2010 remaster) 2:52
- Début
- Un glissando de guitare slide qui dérape, puis le rythme démarre : vous voilà chez Emily.
- Le refrain
- Très mélodique, porté par les chœurs de Waters et de Wright.
- Le pont accéléré
- Après le premier refrain, quelques secondes de piano qui filent à toute allure, comme un manège qui s'emballe.
- Fin
- Échos et effets de bande : la chanson s'éloigne plus qu'elle ne s'arrête.
D'où vient ce morceau
Deuxième single de Pink Floyd, paru le 16 juin 1967 avec The Scarecrow en face B. Il atteint la 6e place au
Royaume-Uni : le plus gros succès du groupe du temps de Barrett. Enregistré en mai 1967 à Sound Techniques, produit par
Norman Smith. Barrett l'avait écrit pour Games for May, le concert du 12 mai 1967 au Queen Elizabeth Hall de Londres.
Gilmour, passé assister à une séance, a raconté que son vieil ami ne l'avait pas reconnu : c'est là qu'il l'a vu changer.
Ce que raconte le texte
Emily est une jeune fille rêveuse, qui vit des rêves des autres, pleure la nuit venue et finit par flotter sur une
rivière, en robe longue. Qui est-elle ? Le biographe Nicholas Schaffner pense à Emily Young, une adolescente surnommée
« la lycéenne psychédélique » au club UFO ; Libby Gausden, l'amie de Barrett, dit que c'était le prénom qu'ils
réservaient à leur premier enfant ; Barrett aurait aussi parlé d'une fille aperçue en rêve, en dormant dans un bois.
Cette robe sur l'eau fait penser à Ophélie, la noyée de Hamlet : c'est notre lecture, aucune source ne le dit.
La musique
De la pop très ouvragée : guitare slide (jouée, selon les témoins, avec un briquet ou une règle), bandes à l'envers,
écho, et un petit pont de piano enregistré lentement puis accéléré, qui sonne comme une boîte à musique. David Bowie
l'a reprise en 1973 sur Pin Ups. Le morceau ouvre aussi le dossier
Du psychédélisme au space rock.
03 Apples and Oranges (2010 remaster) 3:04
- Début
- Guitare nerveuse, tempo pressé : on marche vite dans la ville.
- Le refrain
- Très court, il revient comme une liste de courses.
- Le pont
- Richard Wright chante en voix de fausset : le tempo et l'humeur basculent d'un coup.
- Dernier couplet
- Le narrateur se présente enfin ; tendez l'oreille au petit cri de canard glissé dans le mixage.
D'où vient ce morceau
Troisième single de Pink Floyd, sorti le 17 novembre 1967 avec Paint Box de Richard Wright en face B. Enregistré fin
octobre 1967, juste avant la première tournée américaine, produit par Norman Smith. C'est le dernier single écrit par
Barrett pour le groupe, et le premier à rater le classement. Waters jugeait que la production l'avait gâché ; Barrett
disait que ça lui était égal. Le 45 tours était en mono, au son assez confus : la compilation reprend le mixage
stéréo, plus net.
Ce que raconte le texte
Une fille fait ses courses en ville : cigarettes en poche, belles chaussures, supermarché, canards nourris au bord de
l'eau. Barrett disait l'avoir simplement vue passer, à Richmond. Le narrateur la croise, se sent tout chose, puis se
présente au détour d'un vers comme un chauffeur de camion. Une scène de rue en éclats, à la grammaire volontairement
bousculée.
La musique
Le morceau change sans arrêt de cap : couplets rapides, ruptures de rythme, pont en voix de tête, coin-coin final. On y
entend déjà l'écriture décousue des chansons solo de Barrett.
04 Matilda Mother (alternative version (2010 mix)) 3:58
- Début
- Basse et orgue seuls, sur une note répétée, comme une berceuse inquiète, avant l'entrée des voix.
- Premier couplet
- Le poème de Belloc, chanté presque tel quel : comparez avec la version de 1967, où le couplet parle d'un roi.
- Le refrain
- L'enfant qui réclame la suite, en harmonie, dans une chambre qui résonne.
- Le solo d'orgue
- Wright joue sur une gamme aux couleurs orientales, l'une des signatures de Piper.
- Dernier couplet
- Retour à la chambre d'enfant : maison de poupée, pénombre, parfum ancien.
D'où vient ce morceau
Matilda Mother figure sur The Piper at the Gates of Dawn (août 1967), dont elle fut le premier
titre enregistré (21 février 1967, avec Norman Smith). Barrett l'avait d'abord bâtie sur des vers des Cautionary Tales
for Children (1907) d'Hilaire Belloc, des contes en vers où les enfants désobéissants finissent mal. Les héritiers
de Belloc ont refusé leur accord : Barrett a dû réécrire les couplets et refaire l'enregistrement.
Vous entendez ici cette première version, avec les vers de Belloc, sortie en 2007 sur la réédition des 40 ans de
Piper et remixée en stéréo en 2010. Pink Floyd au complet : Barrett à la guitare et au chant, Wright aux orgues
et au chant (c'est lui qui chante l'essentiel de la version de 1967), Waters à la basse, Mason à la batterie.
Ce que raconte le texte
Un enfant, dans sa chambre, écoute sa mère lire des histoires et en redemande. Les couplets sont ces histoires mêmes,
trois poèmes de Belloc : Jim, l'enfant gâté qui finira dévoré par un lion ; Henry King, qui mâchonnait des bouts
de ficelle ; Matilda, la menteuse qui appelle les pompiers pour rien. Barrett s'arrête toujours avant la
catastrophe. Le refrain, lui, est déjà celui de 1967 : la page noircie d'où tout se met à briller.
La musique
La basse de Waters martèle une note aiguë pendant que l'orgue de Wright déroule ses gammes orientales. Ce remix dure
près de quatre minutes, nettement plus que la version de l'album.
Face B
05 Chapter 24 (2010 remaster) 3:39
- Début
- Harmonium et orgue en nappe, sans batterie : le temps se suspend.
- Les couplets
- La voix doublée de Barrett, presque une psalmodie ; les cloches tubulaires de Mason ponctuent les phrases.
- Le retour des sentences
- Les mêmes formules du Yi King reviennent à chaque strophe, en guise de refrain.
- Fin
- Le texte alterne coucher et lever du soleil : le cycle du « retour » mis en musique.
D'où vient ce morceau
Titre de The Piper at the Gates of Dawn (août 1967), enregistré au début de 1967 aux studios EMI
(Abbey Road) avec Norman Smith. Barrett chante ; Wright joue de l'orgue Farfisa, d'un piano électrique Hohner Pianet, de
l'harmonium et même du violoncelle ; Waters ajoute un gong, Mason des cymbales et des cloches tubulaires.
Ce que raconte le texte
Les paroles reprennent, presque à la lettre, le Yi King, le livre de divination chinois que tout le Londres
psychédélique avait sur sa table de nuit. Le chapitre 24 commente l'hexagramme Fu, « le Retour » : un trait plein, la
lumière, surgit sous cinq traits brisés, l'obscurité, comme le soleil qui revient après le solstice d'hiver. Le message
est apaisant : rien n'est perdu pour toujours, tout revient.
La musique
La chanson la plus calme de la face : aucun rythme rock, un tapis d'harmonium et d'orgue, des cloches. Barrett récite
plus qu'il ne chante, comme une prière.
06 Bike (2010 remaster) 3:22
- Couplets
- Chaque couplet présente un trésor ; le refrain revient à l'identique, comme une ritournelle.
- Dernier couplet
- Sans refrain : une porte s'ouvre sur une pièce pleine de mécaniques musicales.
- Le collage
- Horloges, gongs, oscillateurs, violon : écoutez les rouages tourner, comme dans une boîte à musique géante.
- Fin
- Une boucle de rires, accélérée et inversée : drôle ou inquiétant, à vous de voir.
D'où vient ce morceau
Dernier titre de The Piper at the Gates of Dawn, enregistré le 21 mai 1967 avec Norman Smith.
Barrett l'a écrit pour son amie d'alors, Jenny Spires, déjà évoquée dans Lucifer Sam sur le même album. Tout le
groupe joue, et chacun a mis la main aux bruitages.
Ce que raconte le texte
Un garçon fait sa cour à la manière d'un enfant : il montre à la fille ses trésors, un vélo emprunté, une cape trouée,
une vieille souris baptisée Gerald, des bonshommes en pain d'épice. Le refrain est une vraie déclaration : elle irait
si bien dans son monde. Et le dernier couplet l'invite dans une autre pièce, pour faire marcher des airs mécaniques.
La musique
Des couplets en comptine rock, puis « l'autre pièce » : un collage de musique concrète monté sur bande, où se mêlent
oscillateurs, horloges, gongs, cloches et violon. Le tout s'achève sur les rires du groupe, accélérés et passés à
l'envers.
07 Terrapin (2010 remaster) 5:03
- Début
- Guitare acoustique et voix, sans basse ni batterie : le premier album solo commence dans ce dépouillement.
- Le refrain
- Il clôt chaque strophe sur la même chute mélodique.
- La plongée
- Les images sous-marines arrivent ; une guitare électrique, ajoutée ensuite, commente chaque phrase.
- Fin
- Le tempo ne bouge pas d'un pouce jusqu'au bout.
D'où vient ce morceau
Il ouvre The Madcap Laughs, le premier album solo de Barrett (Harvest, 2 janvier 1970, 40e place au Royaume-Uni).
Enregistré d'une traite le 11 avril 1969 aux studios EMI avec le producteur Malcolm Jones ; la guitare électrique
solo a été ajoutée ensuite. Barrett joue seul : voix, guitare acoustique, guitare électrique.
Ce que raconte le texte
Une chanson d'amour au fond de l'eau. Le terrapin est une petite tortue d'eau douce ; le narrateur parle depuis les
profondeurs, entre poissons lumineux, dents et rochers, et revient sans cesse à un refrain comique : l'autre lui fait
dresser les cheveux sur la tête. Gilmour y entendait une ambiance sous-marine et un texte un peu farfelu. Le fan-club de
Barrett a d'ailleurs pris le nom de Terrapin pour son magazine, dans les années 1970.
La musique
Un blues très lent, presque immobile, qui tourne sur quelques accords. La voix est proche et nonchalante, la guitare
électrique glisse par-dessus en petites phrases. Rien ne bouge vraiment, et c'est voulu : vous flottez avec la tortue.
08 Love You (2010 remaster) 2:26
- Début
- Guitare et voix partent d'emblée sur le refrain.
- Au milieu
- Barrett commente sa propre chanson en la chantant : un clin d'œil typique de son humour.
- L'accompagnement
- La batterie de Robert Wyatt et les claviers de Mike Ratledge, ajoutés après coup, s'accrochent aux changements de Barrett.
- Fin
- Un dernier refrain, et la chanson s'arrête net.
D'où vient ce morceau
Titre de The Madcap Laughs (1970), enregistré le 11 avril 1969 avec Malcolm Jones. Début mai, trois membres de
Soft Machine, le groupe de Canterbury, viennent ajouter leurs parties :
Robert Wyatt à la batterie, Hugh Hopper à la basse, Mike Ratledge aux
claviers. Jones a raconté qu'avec Barrett, il fallait le suivre plutôt que jouer avec lui : tempo et accords changeaient
d'une prise à l'autre.
Ce que raconte le texte
Une déclaration d'amour en jeux de sonorités, où les mots en -oney et -unny rebondissent les uns sur les autres. Le
sens compte moins que le rebond des syllabes. Au milieu, Barrett parle de sa chanson : une rime courte, qui lui a coûté
une éternité, et qu'il pourrait bien jeter à l'eau.
La musique
L'un des titres les plus gais du disque, un music-hall bondissant où l'on sent les musiciens de Soft Machine courir
derrière la guitare de Barrett. Le dossier Canterbury, l'école buissonnière
raconte ce qui relie ces deux mondes.
09 Dark Globe (2010 remaster) 2:00
- Début
- Guitare acoustique grattée fort, voix tout près du micro, rien d'autre.
- La chute
- La mélodie descend avec les mots, comme un homme qui tombe.
- Le cri
- La voix monte jusqu'au bord de la rupture sur la question qui a donné son titre au best-of de 2001.
- Fin
- La question revient une seconde fois, reste en l'air, et la chanson s'arrête presque aussitôt.
D'où vient ce morceau
Titre de The Madcap Laughs (1970), produit par David Gilmour et Roger Waters, qui avaient repris le projet à l'été
1969 tout en terminant Ummagumma avec Pink Floyd. La prise retenue date du 12 juin 1969 ; la chanson circulait aussi
sous le titre Wouldn't You Miss Me. Barrett est seul, voix et guitare acoustique.
Ce que raconte le texte
Beaucoup d'auditeurs y entendent Barrett parler de lui : un homme à mi-chute, la tête contre le sol, qui demande qu'on
lui tende la main et finit par demander s'il manquerait vraiment à quelqu'un. Les images restent pourtant énigmatiques
(chatons de saule, chaîne d'Esquimau, cerveau tatoué), et rien n'autorise à y lire une confession au sens strict.
La musique
Deux minutes, une guitare, une voix qui se brise. C'est l'un des moments les plus nus du disque. R.E.M. l'a reprise en
1989, et Gilmour l'a chantée en concert en juillet 2006, quelques jours après la mort de Barrett. Le dossier
La famille Pink Floyd après Pink Floyd s'ouvre sur elle.
Face C
10 Here I Go (2010 remaster) 3:19
- Début
- Barrett annonce une histoire, à la manière d'un chanteur de music-hall.
- La basse
- Une basse ronde sous des accords de guitare jazzy : c'est en partie celle que Gilmour a ajoutée en 2010.
- Le retournement
- La sœur entre en scène, et l'histoire bascule.
- Fin
- La chute : un mariage heureux, et l'ancienne amoureuse oubliée.
D'où vient ce morceau
Titre de The Madcap Laughs (1970), enregistré le 17 avril 1969 avec Malcolm Jones ; Barrett l'aurait écrit en
quelques minutes, sur place. Deux musiciens l'accompagnent : Jerry Shirley, 17 ans, batteur du jeune groupe Humble
Pie, et Willie Wilson, batteur de Jokers Wild (l'ancien groupe de Gilmour à Cambridge), qui tient ici la basse. Le
titre a été remixé en 2010, avec une basse ajoutée par Gilmour. Une source affirme que l'original n'avait pas de
basse, ce qui contredit le crédit de Wilson : les sources ne concordent pas.
Ce que raconte le texte
Une petite histoire façon music-hall : la fille n'aime pas les chansons du narrateur et préfère les grands orchestres.
Il passe la voir, elle est partie ; sa sœur, elle, lui demande de jouer... et c'est d'elle qu'il tombe amoureux. L'un
des rares textes de Barrett qui racontent une histoire de bout en bout, avec une chute.
La musique
Un swing léger, presque jazz, des accords à l'ancienne, une voix qui s'amuse. Le contraste avec les titres voisins
est frappant : Barrett y paraît détendu et drôle.
11 Octopus (2010 mix) 3:54
- Début
- Le rythme démarre comme un manège, guitare et batterie au galop.
- Les vers empruntés
- Un passage repris au poète Henry Newbolt : un orchestre de sauterelles.
- Le refrain
- Tout ralentit d'un coup, comme si le manège reprenait son souffle.
- Fin
- Une cascade de vers à rimes plates, dite à toute vitesse comme une comptine, avant le dernier refrain.
D'où vient ce morceau
Premier single solo de Barrett (Harvest, 14 novembre 1969), avec Golden Hair en face B, deux mois avant l'album. La
chanson s'appelait d'abord Clowns and Jugglers ; Barrett l'avait tentée en 1968 avec Peter Jenner, puis avec les
musiciens de Soft Machine. La version finale est enregistrée en juin 1969, produite par Barrett et Gilmour : Barrett au
chant et aux guitares, Gilmour à la basse et à la batterie. Elle est ici remixée en 2010, avec une basse neuve.
Ce que raconte le texte
La « pieuvre » du titre est un manège de fête foraine dont les bras montent et descendent en tournant. Barrett disait
avoir porté la chanson dans sa tête pendant six mois. C'est un collage : le chercheur Paul Belbin y a retrouvé des vers
du poème Rilloby-Rill de Henry Newbolt, des comptines recueillies par Robert Graves et une expression de Tom
Sawyer. Un de ses vers, sur le « madcap » qui rit, a donné son titre à l'album. Inutile d'y chercher une histoire :
c'est un tour de manège à travers des bribes de livres d'enfant.
La musique
L'un des titres les plus entraînants de Barrett : une cavalcade, une voix qui enchaîne les vers sans respirer, et des
refrains plus lents qui font redescendre la machine.
12 She Took a Long Cold Look (2010 mix) 1:47
- Début
- Guitare acoustique et voix, sans introduction.
- Le milieu
- La voix se tend et la guitare accélère légèrement.
- Le relèvement
- Le chant devient plus rythmé, presque parlé.
- Fin
- La chanson s'arrête presque sans conclure ; la basse ajoutée en 2010 donne un peu d'assise à cette prise nue.
D'où vient ce morceau
Titre de The Madcap Laughs (1970), enregistré le 26 juillet 1969 et produit par Gilmour et Waters. Barrett est
seul à la voix et à la guitare acoustique ; il a fallu plusieurs prises interrompues pour aller au bout. Ici
remixé en 2010, avec une nouvelle basse de Gilmour.
Le titre. La pochette de 1970 dit She Took a Long Cold Look ; la compilation de 2010 l'imprime parfois She Took a
Long Cool Look (« calme » au lieu de « froid »). Le texte chanté dit bien « cold » : nous gardons le titre d'origine.
Ce que raconte le texte
Une femme toise le narrateur avec froideur et semble se réjouir de le voir à terre. Il se relève, tape du pied, va
cacher quelque chose là où les arbres touchent le sol. La fin s'ouvre sur un voyage sous d'autres climats, pour mieux
regarder en soi, et sur l'eau qui ruisselle. Les images (jetée brisée, rêve de peinture) rappellent que Barrett était
d'abord peintre.
La musique
Moins de deux minutes grattées d'un seul tenant, avec une voix lasse qui force par moments. Malcolm Jones, le premier
producteur de l'album, regrettait ces versions brutes ; d'autres y entendent le Barrett le plus vrai.
13 If It’s in You (2010 remaster) 2:24
- Début
- Le faux départ : la voix part trop haut, Barrett s'interrompt et reprend. Gilmour et Waters l'ont laissé.
- La montée
- La mélodie grimpe très haut pour sa voix : écoutez-la se tendre.
- Le fredonnement
- Un passage chantonné, sans vrais mots : un moment de jeu au milieu de la fragilité.
- Fin
- Une même phrase revient deux fois, comme une résolution, et c'est fini.
D'où vient ce morceau
Titre de The Madcap Laughs (1970), enregistré le 26 juillet 1969 : c'est la cinquième prise, les quatre premières ont
tourné court. Produit par Gilmour et Waters, Barrett seul à la voix et à la guitare acoustique. La prise gardée
conserve un faux départ. Gilmour a dit plus tard qu'ils voulaient peut-être montrer Syd tel qu'il était ; Malcolm
Jones parlait au contraire de linge sale lavé en public.
Ce que raconte le texte
Une suite d'images de train à vapeur et de lettres : la rampe d'acier où l'on s'agrippe, la cheminée qui fume, un
colonel ganté, une certaine Henrietta à qui il faut écrire. Les sons comptent autant que les mots, et certains vers
restent incertains, même pour les spécialistes.
La musique
Le morceau qui divise le plus : la voix déraille, la guitare hésite. Document douloureux ou chanson qui refuse le
vernis ? Dans les deux cas, c'est l'exact opposé des singles soignés de la face A.
14 Baby Lemonade (2010 remaster) 4:08
- Début
- Barrett s'échauffe seul à la guitare électrique : un moment saisi au vol que Gilmour a placé en ouverture.
- Entrée du groupe
- L'orgue de Wright, la basse de Gilmour et la batterie de Shirley prennent le relais.
- Le refrain
- Une seule phrase d'appel, répétée à la fin de chaque couplet.
- Le solo
- Le solo de guitare, joué par Barrett lui-même, nerveux et un peu de guingois.
D'où vient ce morceau
Il ouvre Barrett, le second album solo (Harvest, novembre 1970), qui n'entre pas au classement. Enregistré le
26 février 1970, premier jour des séances aux studios EMI, produit par David Gilmour et Richard Wright. Gilmour
voulait cette fois une vraie section rythmique : lui à la basse, Wright aux claviers, Jerry Shirley à la batterie,
Barrett à toutes les guitares.
Ce que raconte le texte
Une ville triste sous une pluie grise, des mains de fer froid qui applaudissent, des clowns qui font la fête dehors, une
cage envoyée par la poste, et un appel répété à une mystérieuse « baby lemonade ». Comme souvent chez Barrett, les
images s'enchaînent par association ; on y perçoit une grande solitude, sans que le texte s'explique jamais.
La musique
L'introduction, c'est Barrett qui s'échauffe : Gilmour a gardé ce moment et l'a placé en tête. Le solo est bien de
Barrett, contrairement à ce qu'on a longtemps cru. Le son est plus plein que sur The Madcap Laughs : orgue, basse et
batterie suivent le chanteur.
Face D
15 Dominoes (2010 mix) 4:05
- Début
- L'orgue et le piano électrique de Wright, tempo lent : une torpeur d'après-midi d'été.
- Les couplets
- Chacun se referme sur la même formule, et le temps passe un peu plus à chaque fois.
- Le solo à l'envers
- La guitare passée à rebours : les notes enflent au lieu de s'éteindre, comme si elles respiraient à l'envers.
- Fin
- Le plus long couplet, plein d'images d'été, avant le retour du premier.
D'où vient ce morceau
Titre de Barrett (1970), enregistré le 14 juillet 1970, produit par Gilmour et Wright. Barrett au chant et à la
guitare, Wright à l'orgue et au piano électrique Wurlitzer, Gilmour à la batterie (et à la basse). Il est ici
remixé en 2010, avec une basse neuve : c'est le seul titre de Barrett à avoir été retouché.
Ce que raconte le texte
Deux personnes passent une journée lourde et sombre à jouer aux dominos pendant que le temps file. Autour, des éclats
d'été : feux d'artifice, coquillage, bâton, chant d'alouette. Une rêverie sur le temps passé à deux, qui n'est pas
forcément du temps perdu.
La musique
Tout flotte dans une brume douce. Le trait marquant est un solo de guitare à l'envers : Barrett a joué sa partie, puis
la bande a été retournée, si bien que chaque note semble s'aspirer elle-même. Un procédé du psychédélisme de 1966-1967
que Barrett retrouve ici.
16 Gigolo Aunt (2010 remaster) 5:44
- Début
- Le riff de guitare, puis le groupe au complet : basse, batterie, orgue.
- Le pont
- Plus mélodique, c'est le passage le plus direct de la chanson.
- Le refrain
- Repris en écho, il s'accroche à l'oreille.
- Fin
- Après le dernier refrain, le groupe tourne longtemps sur le riff et la guitare de Barrett improvise par-dessus.
D'où vient ce morceau
Titre de Barrett (1970), mis en boîte dès les premières séances de février 1970 (c'est la quinzième prise qui a été
gardée), avec des ajouts en avril. Produit par Gilmour et Wright, avec la section rythmique du disque : Gilmour à la
basse, Jerry Shirley à la batterie, Willie Wilson aux percussions selon les crédits.
Ce que raconte le texte
Une « tante gigolo » : l'expression n'existe pas, elle sonne comme une insulte affectueuse ou une devinette. Le texte la
suit en imperméable, sac au dos, jusqu'à la plage, par une belle journée où tout paraît rose. Le refrain ressemble à un
reproche, le pont presque à un aveu de regret. Plusieurs vers sont de purs jeux de sons.
La musique
Le titre le plus rock de la compilation : un riff qui accroche, un groupe qui pousse derrière Barrett, et une longue
partie instrumentale avant la fin. Shirley a raconté que Barrett ne jouait jamais deux fois un morceau de la même
manière : tout le monde devait rester sur le qui-vive.
17 Effervescing Elephant (2010 remaster) 1:52
- Début
- Guitare et voix : le récit commence comme un conte.
- Le tuba
- Le tuba de Vic Saywell imite la démarche pesante de l'éléphant.
- La rumeur
- La panique gagne la jungle : la liste d'animaux s'allonge, le chant accélère.
- La chute
- Lancée en une phrase : comme chez Belloc, la morale est absurde.
D'où vient ce morceau
Titre de Barrett (1970), enregistré le 14 juillet 1970, produit par Gilmour et Wright, qui ont fait venir un tuba
pour l'occasion : Vic Saywell, musicien de séance londonien. D'après ses amis, Barrett l'avait écrite vers 16 ans,
bien avant Pink Floyd.
Ce que raconte le texte
Une fable animalière : un éléphant « effervescent » prévient un plus petit que le tigre rôde ; la panique gagne toute
la jungle, zèbre, mangouste, hippopotame vautré dans la boue. Puis le tigre arrive, rassure tout le monde... et dévore
l'éléphant. La forme imite les Cautionary Tales d'Hilaire Belloc, déjà au cœur de Matilda Mother : vers courts,
rimes plates, ton faussement sage, chute aussi cruelle que comique. Le mot effervescing est là pour son pétillement
plus que pour son sens.
La musique
Moins de deux minutes de music-hall : guitare acoustique, voix amusée, tuba dans le rôle de l'éléphant. La partie
« officielle » de l'œuvre de Barrett se referme ici sur un éclat de rire.
18 Bob Dylan Blues (2010 remaster) 3:09
- Début
- Guitare acoustique seule, rythme de marche : le style des premiers disques de Dylan.
- Le chant
- Écoutez Barrett imiter la diction traînante et nasillarde de Dylan.
- Le refrain
- Il détourne un vers de Dylan lui-même.
- La pique
- Le dernier couplet vise le chanteur contestataire devenu riche.
D'où vient ce morceau
L'une des toutes premières chansons de Barrett, écrite vers 1965, avant même Pink Floyd. Il l'a enregistrée seul, voix
et guitare acoustique, le 26 février 1970, au début des séances de Barrett, en simple maquette. Gilmour a conservé la
bande pendant trente ans ; elle a paru pour la première fois en 2001 sur le best-of The Best of Syd Barrett: Wouldn't
You Miss Me?.
Ce que raconte le texte
Une moquerie affectueuse du Dylan de 1963-1964 : le chanteur ébouriffé qui dit le bien et le mal, se proclame poète,
chante contre la guerre et s'enrichit. Le refrain reprend un vers d'I Shall Be Free No. 10, et une allusion au vent
renvoie évidemment à Blowin' in the Wind. Gilmour y voyait une plaisanterie, pas une attaque.
La musique
Un talking blues à la Dylan, en picking acoustique, avec un chant imité. Un instantané du jeune Barrett de Cambridge,
nourri de blues et de folk avant le psychédélisme : la compilation se referme sur ses débuts.
