Une journée entière, du lever du jour à la nuit, en sept plages. Days of Future Passed suit un homme ordinaire d'un bout à l'autre de sa journée : le réveil, les jeux d'enfants du matin, la cohue de midi, l'après-midi rêveur, la sortie du travail, le crépuscule, puis la nuit blanche et amoureuse de Nights in White Satin. Chaque moment a sa chanson, écrite par l'un des cinq musiciens, et des pièces pour orchestre de Peter Knight, jouées par le London Festival Orchestra, font le lien de l'une à l'autre.
La face A va de l'aube à la pause de midi, la face B de l'après-midi à la nuit. Le disque commence et finit sur les mêmes vers d'un poème de Graeme Edge, dits par Mike Pinder, et sur un coup de gong : la journée tourne en boucle.
Avant d'écouter
- Une face d'un trait. Les plages s'enchaînent sans silence : c'est l'orchestre qui fait passer d'une heure du jour à la suivante.
- Lisez les titres comme un programme. Avant les deux-points, le moment de la journée (Dawn, The Morning, Lunch Break…), souvent confié à l'orchestre ; après, la chanson. Trois morceaux ne sont pas nommés sur la pochette de 1967 : le poème Morning Glory (plage 1), la chanson (Evening) Time to Get Away (plage 5) et le poème Late Lament (plage 7).
- Deux « orchestres ». Le vrai orchestre ne joue que dans les liaisons et à la fin de Nights in White Satin. Dans les chansons, les nappes de cordes qui flottent derrière les voix viennent du Mellotron de Mike Pinder, un clavier qui lit des bandes magnétiques préenregistrées : un son un peu voilé, qui ondule. L'orchestre a été enregistré à part, en suivant au casque les bandes du groupe.
- Qui chante quoi. Justin Hayward : Dawn Is a Feeling (une chanson de Pinder), Tuesday Afternoon, Nights in White Satin. John Lodge : Peak Hour, Time to Get Away. Ray Thomas : Another Morning, Twilight Time. Mike Pinder : The Sun Set, le pont de Dawn et les deux poèmes. Graeme Edge, le batteur, ne chante pas : c'est lui qui a écrit les poèmes.
L'album
Un groupe qui repart de zéro
Fin 1966, les Moody Blues de Birmingham, célèbres pour le tube Go Now (n° 1 au Royaume-Uni début 1965), sont près de disparaître : le chanteur-guitariste Denny Laine et le bassiste Clint Warwick sont partis, et le groupe doit de l'argent à sa maison de disques, Decca. Mike Pinder, Ray Thomas et Graeme Edge appellent John Lodge, vieil ami de Thomas, et Justin Hayward, un jeune guitariste de Swindon. Le groupe passe quelques mois en Belgique, du côté de Mouscron, se met à écrire ses propres chansons et laisse tomber les reprises de rhythm and blues. Deux rencontres changent tout en 1967 : le producteur Tony Clarke, et le Mellotron, que Pinder connaît de l'intérieur pour avoir travaillé chez le fabricant, à Birmingham.
Avant même le disque, le groupe jouait sur scène une suite qui racontait la journée d'un homme ; chacun s'est ensuite approprié « son » heure.
Dvořák : belle histoire ou légende ?
Le récit le plus répandu : Decca lance son label Deram et son procédé « Deramic Sound », et veut un disque de démonstration stéréo qui mélange pop et classique. Le groupe aurait reçu pour mission d'adapter en rock la Symphonie du Nouveau Monde de Dvořák, aurait dit oui, puis aurait enregistré ses propres chansons à la place. Les témoignages se contredisent : Ray Thomas parle de standards rock que Decca voulait leur faire jouer ; Hayward raconte une décision prise au pub ; d'autres versions donnent l'initiative au producteur Michael Dacre-Barclay, ou à Peter Knight et Hugh Mendl, séduits par les chansons du groupe. Hayward se souvient de la réaction des dirigeants de Decca à l'écoute : ce n'était pas du Dvořák. Ils l'ont publié quand même. Derek Varnals, l'ingénieur du son, dit n'avoir entendu parler de Dvořák que bien plus tard et doute que cela se soit jamais produit. Une seule certitude : pas une note de Dvořák n'a été enregistrée, et Deram a obtenu le disque spectaculaire qu'il voulait, avec un autre programme.
L'enregistrement
Tout se passe dans le grand studio 1 de Decca, à West Hampstead, à Londres. Nights in White Satin est enregistrée le 8 octobre 1967, d'abord pour un single. Le reste suit dans les semaines suivantes, en quelques séances. Le groupe monte ses bandes en laissant des espaces ; Peter Knight écrit les liaisons d'après ces bandes, et l'orchestre les grave le 3 novembre en une seule séance. Les poèmes de Graeme Edge devaient devenir des chansons, mais ils comptaient trop de mots ; Tony Clarke a proposé de les dire sur la musique, avec la voix grave de Pinder.
Sortie et accueil
L'album sort au Royaume-Uni le 10 novembre 1967 et monte à la 27e place début 1968. Aux États-Unis, il arrive en 1968 et grimpe jusqu'à la 3e place en 1972, quand Nights in White Satin, ressortie en single, atteint la 2e place du Billboard. Le regard des historiens est venu plus tard. L'historien belge Christophe Pirenne y voit le premier album concept incontestable de l'histoire du rock, et la première fois qu'un orchestre tient un rôle égal à celui des instruments du groupe, même si l'unité des deux reste relative.
Mixages et titres
En 1978, la bande stéréo d'origine, abîmée, impose un remixage complet ; c'est lui qu'on a entendu sur les rééditions jusqu'en 2017, quand l'édition du cinquantenaire a rendu le mixage de 1967. La chanson de Hayward, baptisée Forever Afternoon (Tuesday?) sur l'album, est devenue Tuesday Afternoon dès sa sortie en single.
La pochette
Le tableau est de David Anstey, peint pour l'album. Tout le cycle de la journée y est : un sablier, une rangée de cadrans qui comptent les heures, des fleurs et des branches, un soleil couchant, les phases de la lune en bas, et de grandes vagues aux couleurs de l'arc-en-ciel qui traversent l'image. C'est le programme du disque, mis en peinture : le temps qui passe et qui revient.
Sous le nom du groupe, la pochette annonce l'orchestre et son chef, Peter Knight, comme des partenaires à part entière : une nouveauté pour un disque de rock.
Dans le parcours du groupe
C'est le deuxième album des Moody Blues, après The Magnificent Moodies (1965), et le premier avec Justin Hayward et John Lodge. Il ouvre la série de sept disques que les fans appellent les « Core Seven », jusqu'à Seventh Sojourn (1972), en passant par In Search of the Lost Chord (1968) et On the Threshold of a Dream (1969, leur premier n° 1 britannique).
Tout le son du groupe est déjà là : les nappes de Mellotron, la flûte de Thomas, les voix doublées en chœur, les poèmes d'Edge en ouverture, et l'album pensé comme un tout. Paradoxe : c'est le seul avec un vrai orchestre. Dès le disque suivant, le groupe veut se suffire à lui-même et laisse le Mellotron tenir le rôle des cordes.
Sorti six mois après Sgt. Pepper, dont il prolonge l'idée d'album construit, il est l'un des actes de naissance du rock symphonique. Vous le retrouverez dans les dossiers Opéras rock et albums concepts, Le rock et l'orchestre et Du psychédélisme au space rock.
Les morceaux
Face A
01 The Day Begins 5:51
- Début
- Un coup de gong monte du silence (Mike Pinder) : il répond à celui qui ferme la face B.
- Ouverture
- L'orchestre seul enchaîne les mélodies des chansons à venir : essayez de reconnaître Tuesday Afternoon et Nights in White Satin.
- Le poème
- Morning Glory : la voix grave de Mike Pinder dit le poème de Graeme Edge sur un fond d'orchestre.
- Fin
- L'appel au soleil : l'orchestre s'éclaire et mène vers Dawn.
Ce que c'est
Avant l'aube, la Lune règne encore, un astre froid qui retire au monde ses couleurs. Mais c'est nous, dit le poème, qui décidons de ce qui est réel et de ce qui est illusion. Les étoiles ne sont que des points percés dans un ciel éteint ; la nuit, pour certains, n'est qu'une pause, pour d'autres la peur d'être seul. Le texte s'achève sur un appel à Hélios, le dieu grec du Soleil, pour qu'il ramène la chaleur.
La musique
Une ouverture d'opéra en miniature : Peter Knight y fait entendre à l'orchestre seul les thèmes des chansons qui suivront. Le groupe n'y joue pas, à part le gong de Pinder. Puis vient Morning Glory, poème de Graeme Edge dit par Pinder, que la pochette de 1967 ne nomme pas.
Lecture
Le disque commence par sa fin : les premiers vers reviendront dans Late Lament, tout à la fin de la face B. La journée est une boucle, et l'idée centrale est posée d'emblée : le monde n'a pas de couleur en lui-même, c'est notre regard qui la lui donne.
02 Dawn: Dawn Is a Feeling 3:49
- Début
- Courte transition de l'orchestre, puis le groupe entre : on passe du vrai orchestre au Mellotron.
- Couplets
- Justin Hayward chante très doucement ; le refrain revient à la fin de chaque couplet.
- Le pont
- Changement de voix : Mike Pinder, l'auteur, chante lui-même ce passage plus grave.
- Fin
- Retour de Hayward et du refrain.
Ce que c'est
L'éveil, au sens propre et au sens figuré. L'odeur de l'herbe vous fait glisser dans un rêve ; il suffit d'ouvrir les yeux et l'esprit pour que la journée dure mille ans. Dans le pont, Pinder élargit le propos à tout le pays, où les esprits s'ouvrent.
La musique
Une chanson de Mike Pinder, chantée par Hayward sauf le pont, que Pinder prend lui-même. Tempo lent, voix douces, nappes de Mellotron : le son que le groupe gardera des années.
Lecture
On est à l'automne 1967, juste après l'« été de l'amour », et la chanson en a l'optimisme et le vocabulaire.
03 The Morning: Another Morning 3:56
- Début
- The Morning : l'orchestre ouvre la matinée, puis la chanson démarre.
- Couplets
- Ray Thomas chante ; écoutez sa flûte et les voix en chœur derrière lui.
- Refrain
- Le seul moment où le tempo semble se poser.
- Le pont
- Plus nostalgique, suivi d'un interlude instrumental.
Ce que c'est
Le matin vu à hauteur d'enfant : ballons, cerf-volant, jeux de cow-boys, pêche, et une petite fille qui règne sur un palais de poupées. Le refrain dit qu'à cet âge le temps s'arrête ; le pont glisse une seule ombre, les rêves d'hier qui deviendront des regrets.
La musique
La première chanson de Ray Thomas, qui la chante et y joue de la flûte, sur un rythme sautillant de comptine. Christophe Pirenne entend l'influence des Beach Boys dans les harmonies vocales.
Lecture
Le moment le plus léger du disque, et c'est voulu : il prépare le contraste avec la ruée de midi.
04 Lunch Break: Peak Hour 5:29
- Début
- Lunch Break : l'orchestre seul, puis la batterie lance la chanson à toute allure.
- Couplets
- John Lodge chante et tient la basse ; le tempo ne faiblit jamais.
- Le milieu
- Tout s'arrête : un passage calme et recueilli, presque un chœur d'église.
- Reprise
- Le rock repart avec le dernier couplet et le refrain.
Ce que c'est
Midi en ville. De sa fenêtre, le narrateur regarde la foule s'agiter comme une ruche : des vies minutées, des gens soumis à ce qu'il faut faire, la course vers la maison deux fois par jour. Au milieu, il voudrait sortir leur dire qu'ils ont le temps : lui l'a compris en prenant du recul.
La musique
La chanson de John Lodge, et le titre le plus rock du disque, porté par la batterie de Graeme Edge. Au centre, une rupture : tout s'arrête pour un passage paisible aux sons d'orgue, puis le rock repart.
Lecture
Le seul morceau franchement critique : la course contre la montre de la vie moderne. La réponse n'est pas la colère mais le recul, et ce passage calme au milieu de la chanson le met en musique.
Face B
05 The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?) 8:24
- Début
- Guitare acoustique de Justin Hayward et Mellotron : Tuesday Afternoon commence.
- Le pont
- Le climat change, la chanson s'élargit, puis revient au refrain.
- La liaison
- Solo de flûte de Ray Thomas, puis l'orchestre reprend la mélodie du refrain.
- Deuxième partie
- (Evening) Time to Get Away : la chanson de John Lodge, qu'il chante lui-même ; la journée de travail est finie.
- Fin
- Le refrain de Lodge, repris jusqu'à la fin de la plage.
Ce que c'est
Deux chansons, deux façons d'échapper au travail. Dans Forever Afternoon (Tuesday?), le narrateur part dans la nature : les arbres l'appellent, des voix douces lui expliquent tout, et il s'oublie lui-même. Dans (Evening) Time to Get Away, la journée est finie : il est las du labeur, et le soir devient le moment de s'évader jusqu'au lendemain.
La musique
La première partie est de Justin Hayward. Le Mellotron dessine l'accompagnement, Ray Thomas glisse un court solo de flûte, puis l'orchestre de Peter Knight reprend le refrain. La seconde partie est de John Lodge ; la pochette de 1967 ne la nomme pas.
Lecture
Le titre d'origine, avec son point d'interrogation, résume le rêve : un après-midi qui durerait toujours, un mardi comme un autre. Sortie en single aux États-Unis sous le nom Tuesday Afternoon, la chanson y est entrée dans le Top 40.
06 Evening: The Sun Set / Twilight Time 6:40
- Début
- Evening : introduction instrumentale, puis la voix de Mike Pinder.
- Le pont
- Le narrateur regarde le soleil disparaître, de très haut.
- Deuxième partie
- Twilight Time : Ray Thomas prend le relais, avec ses images de rossignol, de lucioles et de chauves-souris.
- Fin
- Le dernier refrain reste en suspens et la musique glisse vers la nuit.
Ce que c'est
Le soleil se couche. Dans The Sun Set, Mike Pinder prend de la hauteur : les ombres s'effacent sans bruit, la Terre continue de tourner parmi les planètes. Dans Twilight Time, Ray Thomas peint le crépuscule comme un spectacle de fées : voiles bleus, rossignol, ballet de lucioles, chauves-souris suspendues comme des marionnettes.
La musique
Deux chansons enchaînées, chacune chantée par son auteur, Pinder puis Thomas. Christophe Pirenne voit dans The Sun Set le passage obligé de l'album par le psychédélisme.
Lecture
Après la ville de midi, le regard revient à la nature et au cosmos. L'une contemplative et cosmique, l'autre légère et pleine d'images : chacune des deux chansons du soir a sa couleur propre.
07 The Night: Nights in White Satin 7:25
- Début
- The Night : une courte phrase descendante des bois de l'orchestre.
- Premier couplet
- Voix, guitare acoustique, basse : presque rien. Puis le Mellotron de Pinder entre avec sa phrase de cordes.
- Refrain
- Les quatre voix doublées en petit chœur.
- Solo de flûte
- Ray Thomas, entre deux couplets.
- Dernier refrain
- Le vrai orchestre s'ajoute et monte jusqu'au sommet : comparez avec le Mellotron entendu avant.
- Le poème
- Late Lament : Pinder reprend les vers du tout début du disque.
- Fin
- Grand accord d'orchestre et coup de gong, celui qui ouvrait la face A.
Ce que c'est
La nuit, et l'insomnie amoureuse : des nuits qui n'en finissent pas, des lettres jamais envoyées, une beauté enfin reconnue et une vérité qu'on ne sait plus dire, pendant qu'autour de lui des couples passent, main dans la main, sans comprendre. Hayward a raconté l'avoir écrite à la fin d'une histoire d'amour et au début d'une autre, tard dans la nuit, assis au bord de son lit au retour d'un concert, sur une guitare douze-cordes qui avait appartenu à Lonnie Donegan ; on venait de lui offrir des draps de satin blanc. Puis vient Late Lament : la ville s'endort, chacun seul avec lui-même, et le poème du début revient.
La musique
Nights in White Satin, de Justin Hayward, est en mi mineur ; l'accord de fa majeur qui revient (un accord dit « napolitain ») lui donne son frisson particulier. Quand Hayward l'a jouée au groupe, Mike Pinder a trouvé au Mellotron la phrase de cordes devenue sa signature. Dans les couplets, le groupe laisse beaucoup d'espace : voix, guitare acoustique, basse. Hayward a chanté seul dans le studio, les chœurs ont été ajoutés sur deux pistes, et Ray Thomas joue le célèbre solo de flûte. Le vrai orchestre n'arrive qu'à la fin.
Lecture
La plage la plus célèbre du groupe. En single (raccourcie, sans orchestre ni poème), elle n'a d'abord atteint que la 19e place en Angleterre, mais la 1re aux Pays-Bas ; ressortie en 1972, elle monte à la 9e place britannique et à la 2e aux États-Unis (1re du classement Cash Box). Sur l'album, elle prend tout son sens : la journée s'achève sur un aveu d'amour, puis sur le constat que chacun, la nuit, se retrouve seul, et les derniers vers rejoignent les premiers. C'est la chanson que le magazine retient dans Opéras rock et albums concepts, Le rock et l'orchestre et Du psychédélisme au space rock.
Les musiciens
- Justin Haywardchant, guitares
- John Lodgebasse, chant
- Mike PinderMellotron, piano, chant, récitation des poèmes, gong
- Ray Thomasflûte, chant
- Graeme Edgebatterie, percussions, poèmes
- London Festival Orchestraorchestre (liaisons orchestrales)
- Peter Knightarrangements, musique des liaisons orchestrales, direction d'orchestre
Production
Produit par Tony Clarke et Michael Dacre-Barclay ; producteur exécutif Hugh Mendl ; ingénieur du son Derek Varnals. Orchestre arrangé et dirigé par Peter Knight. Enregistré aux studios Decca de West Hampstead, Londres, du 8 octobre au 3 novembre 1967.
Trouver le disque
Réédité régulièrement en vinyle et en CD (le mixage de 1967 est revenu en 2017) : facile à trouver.
Sources
