L'album
Le titre
Houses of the Holy (« les demeures du sacré ») est le premier disque du groupe à porter un vrai titre. Pourtant, la
chanson Houses of the Holy, enregistrée aux mêmes séances, n'y figure pas : le groupe avait de quoi remplir deux
faces sans elle et l'a gardée pour le double album suivant, Physical Graffiti (1975).
L'enregistrement
Après Headley Grange, le groupe reprend au printemps 1972 la formule du studio mobile dans une maison de campagne,
cette fois à Stargroves, un manoir néogothique du Hampshire qui appartient à Mick Jagger, avec l'ingénieur Eddie
Kramer. Nouveauté : Page et Jones ont désormais un studio chez eux et arrivent avec des morceaux déjà mûrs (The Rain
Song et Over the Hills and Far Away pour Page, No Quarter pour Jones). Le reste naît de bœufs sur place. Suivent
des séances aux studios Olympic de Londres en mai, puis à Electric Lady, à New York, pendant la tournée américaine de
l'été. Plusieurs titres mis de côté sortiront plus tard : The Rover et Black Country Woman sur Physical Graffiti,
Walter's Walk sur Coda (1982).
La sortie et l'accueil
Annoncé pour janvier 1973, l'album est retardé par la fabrication de la pochette et sort fin mars 1973. Il se classe
n° 1 au Royaume-Uni et aux États-Unis, où il reste 39 semaines dans les classements ; il sera certifié disque de
diamant (dix millions de disques vendus) en 1999. À sa sortie, Rolling Stone le juge sévèrement et vise surtout
The Crunge et D'yer Mak'er. Le temps l'a réhabilité : c'est aujourd'hui l'un des albums préférés des admirateurs du
groupe, et l'un des disques phares de 1973, l'année miracle. C'est aussi le
dernier album studio du groupe paru chez Atlantic avant la création de son propre label, Swan Song, en 1974.
La pochette
La Chaussée des Géants
C'est la première pochette du groupe confiée à Hipgnosis, le studio de Storm Thorgerson et Aubrey Powell, connu
pour ses images pour Pink Floyd. La première idée, de Thorgerson, montrait un court de
tennis d'un vert électrique avec une raquette : le groupe y a vu un jeu de mots sur racket, qui veut aussi dire
« vacarme », et l'a refusée. Powell a pris le relais.
Son point de départ est Les Enfants d'Icare, un roman d'Arthur C. Clarke (Childhood's End, 1953), où les enfants de
l'humanité quittent la Terre pour une autre forme d'existence. La photo est prise sur la Chaussée des Géants, en
Irlande du Nord, avec ses milliers de colonnes de basalte à six pans. Les enfants nus qui grimpent sur les pierres ne
sont que deux, Stefan et Samantha Gates, frère et sœur, photographiés puis multipliés au montage : onze silhouettes
en tout, six devant et cinq au dos.
La séance dure une dizaine de jours sous la pluie, sans jamais obtenir la lumière d'aube ou de crépuscule espérée. Ce
sont des accidents de couleur au tirage qui donnent au résultat ses teintes irréelles, orangées et violettes. À
l'intérieur de la pochette ouvrante, un homme élève un enfant vers le ciel devant le château de Dunluce, tout proche.
Le bandeau
Comme sur l'album précédent, ni le nom du groupe ni le titre n'apparaissent sur l'image. Peter Grant accepte qu'Atlantic
ajoute un bandeau de papier portant ces mentions, aux États-Unis et sur les premiers tirages britanniques ; il
cachait au passage les fesses des enfants, car la nudité de l'image a fait polémique. Adulte, Stefan Gates a raconté
dans un documentaire de la BBC (2010) qu'il trouvait cette photo dérangeante, ce que sa sœur ne ressentait pas. La
pochette a été nommée aux Grammy Awards de 1974.
C'est l'une des images au cœur du dossier L'art des pochettes.
Les morceaux
Face A
1 The Song Remains the Same 5:24
- Début
- Guitares à douze et six cordes lancées à pleine vitesse, basse et batterie en accents brusques.
- Entrée du chant
- Le tempo se divise par deux ; la voix de Plant, un peu accélérée, sonne plus aiguë que d'habitude.
- Refrain
- Le refrain-voyage, puis retour à la course instrumentale.
- Fin
- Le morceau s'éteint et laisse place, presque sans pause, à The Rain Song.
Ce que c'est
Un hymne à la musique qui voyage : où que le groupe joue, d'un continent à l'autre, la chanson reste la même. Plant y
met ses souvenirs de tournée et l'idée que la musique rassemble tout le monde.
La musique
C'était d'abord un instrumental de Page, conçu comme une ouverture pour The Rain Song. Plant a voulu y ajouter des
paroles et a proposé de ralentir de moitié au milieu. Page superpose une guitare électrique à douze cordes et une
six cordes en riffs très rapides ; la voix a été légèrement accélérée au mixage.
Lecture
Une entrée en fanfare, lumineuse, qui donne le ton du disque : un groupe qui joue pour le plaisir. Le titre servira au
film-concert de 1976.
2 The Rain Song 7:32
- Début
- Guitare seule : les deux premiers accords citent Something des Beatles, selon Page.
- Premier couplet
- Voix très douce, avec le piano et les cordes du Mellotron en arrière-plan.
- Deuxième couplet
- Toujours retenu ; la batterie reste à peine effleurée.
- La montée
- Bonham frappe enfin, les guitares électriques et le Mellotron s'épaississent.
- Fin
- Retour au calme, puis la guitare seule, comme au début.
Ce que c'est
Une histoire d'amour racontée au fil des saisons, du printemps de la rencontre à l'hiver du doute, avec une conclusion
empruntée à un vers de Longfellow : dans toute vie, il faut bien un peu de pluie. Plant comptait cette interprétation
parmi ses meilleures.
La musique
La chanson répond à une pique de George Harrison, qui aurait reproché un soir à Bonham que le groupe n'écrive
jamais de ballades. Page, qui a raconté l'anecdote au journaliste Brad Tolinski, dit avoir écrit The Rain Song en
réponse, et avoir glissé une citation de Something dans les deux premiers accords. L'histoire ne vient que de lui.
Page a composé et arrangé le morceau chez lui, mélodie comprise, sur une guitare à l'accordage inhabituel. Le titre de
travail, Slush (« guimauve »), se moquait des orchestrations sucrées : John Paul Jones ajoute justement des
« cordes » au Mellotron.
Lecture
Sept minutes et demie de douceur qui ne s'embrasent qu'une fois avant de revenir au calme : la preuve que Led Zeppelin
savait aussi murmurer. C'est le morceau retenu dans le dossier 1973, l'année miracle.
3 Over the Hills and Far Away 4:42
- Début
- Guitare acoustique seule, bientôt doublée par une douze cordes : des arpèges qui sonnent presque comme une harpe.
- Entrée du chant
- La voix de Plant, douce, sur l'acoustique.
- Bascule électrique
- Batterie, basse et guitare électrique entrent d'un coup : le morceau devient rock.
- Solo
- Le solo de guitare, doublé à la fin.
- Coda
- Tout se retire : il reste les échos de la guitare et le clavinet de Jones.
Ce que c'est
Une chanson de route et de liberté, imprégnée de l'esprit hippie : un homme qui a beaucoup aimé, beaucoup cherché, et
regarde le chemin devant lui. Le titre reprend celui d'un vieil air traditionnel anglais ; le morceau s'est d'abord
appelé Many, Many Times.
La musique
Écrite par Page et Plant en 1970 au cottage gallois de Bron-Yr-Aur, elle part d'un motif acoustique repris à l'unisson
par une douze cordes, puis bascule dans une partie électrique avec tout le groupe. À la fin, la rythmique s'efface et
ne laisse que des échos et quelques accords de clavinet.
Lecture
Deux chansons en une, la ballade folk et le rock électrique, soudées sans couture. Aux États-Unis, ce fut le premier
single tiré de l'album (51e au Billboard). Le morceau figure dans le dossier
L'art des pochettes, pour la photo de la Chaussée des Géants.
4 The Crunge 3:10
- Début
- Bonham seul avec la basse : essayez de taper du pied, les appuis ne tombent jamais où on les attend.
- Le chant
- Plant en James Brown : cris, onomatopées, phrases hachées.
- Synthétiseur
- Les petites fusées électroniques de Jones entre les phrases.
- Fin
- Une partie parlée, puis l'arrêt net.
Ce que c'est
Rien de sérieux : Plant improvise à la manière de James Brown, en empilant ses tics, et finit par réclamer le pont
de la chanson, comme le faisait le chanteur pour annoncer le changement de partie. Sauf que The Crunge n'a pas de
pont : la blague est là.
La musique
Né d'un bœuf à Stargroves. Bonham lance un rythme funk qui tombe à côté, en bonne partie à 9 temps, impossible à
danser ; Jones suit à la basse, Page plaque un riff funk à la Stratocaster, et Jones ajoute des traits de synthétiseur.
Le groupe avait même pensé imprimer sur la pochette des « pas de danse » pour ce morceau indansable.
Lecture
Une plaisanterie de musiciens que la critique de 1973 a prise au premier degré. Elle dit surtout l'admiration du groupe
pour le funk, et l'adresse de Bonham.
Face B
5 Dancing Days 3:40
- Début
- Le riff de guitare, un peu « faux » exprès, sur une rythmique qui balance.
- Couplet
- La voix entre ; l'orgue de Jones remplit le fond.
- Refrain
- Plus ouvert, presque chantant.
- Fin
- Un couplet aux images absurdes, puis le retour du début.
Ce que c'est
Une chanson d'été, optimiste : le temps de la danse est revenu, les soirées s'allongent, et le chanteur a trouvé
l'amour. Avec quelques images absurdes au passage.
La musique
Elle viendrait d'un air indien entendu par Page et Plant à Bombay en 1972. Le riff, très tendu, tourne autour d'une
note qui frotte, et l'orgue de Jones remplit l'espace. Eddie Kramer se souvient du groupe dansant sur la pelouse de
Stargroves en écoutant le mixage.
Lecture
Le titre le plus joyeux du disque, le premier envoyé aux radios pour annoncer l'album ; le groupe le jouait déjà sur
scène à l'été 1972.
6 D'yer Mak'er 4:19
- Début
- La frappe de Bonham, lourde et pleine d'écho, sur le contretemps du reggae.
- Les voyelles
- Plant étire les sons comme un chanteur de doo-wop.
- Couplet
- Piano de Jones et guitare en contretemps.
- Fin
- Une coda de plus en plus libre, jusqu'au fondu.
Ce que c'est
Une chanson d'amour toute simple, sur une rupture qu'on n'accepte pas. Le titre n'apparaît pas dans le texte : c'est un
jeu de mots tiré d'une vieille blague anglaise. Quelqu'un dit que sa femme est partie aux Antilles ; on lui demande
« Jamaica? », qui, prononcé à l'anglaise, sonne comme « tu l'y as obligée ? » ; il répond qu'elle y est allée d'elle-même.
Une façon d'annoncer le reggae, venu de Jamaïque.
La musique
Tout part de Bonham, qui cherche à croiser le doo-wop des années 1950 et le reggae en décalant le contretemps. Son son
de batterie énorme vient de micros placés loin des fûts.
Lecture
Un pastiche affectueux que la critique n'a pas compris et que John Paul Jones lui-même n'aimait guère. Plant voulait en
faire un single au Royaume-Uni, le groupe a refusé ; il est sorti aux États-Unis (20e place). Beaucoup d'Américains
prononcent le titre sans saisir le jeu de mots.
7 No Quarter 6:57
- Début
- Les claviers de Jones, passés dans un effet qui fait onduler le son, comme dans le brouillard.
- Entrée du chant
- La voix de Plant, traitée et lointaine, sur un riff lent et lourd.
- Piano
- La partie centrale : le piano de Jones, plus jazz, avec la basse synthétique.
- Solo
- Le solo de guitare, au son très compressé et sec.
- Fin
- Retour du riff, puis le son s'efface.
Ce que c'est
No quarter : ne pas faire de quartier, ni en accorder, ni en demander. Des messagers avancent dans la neige et le vent
glacé, côte à côte avec la mort, pour porter coûte que coûte un message. Comme Immigrant Song, le texte puise dans
l'imaginaire nordique.
La musique
C'est le morceau de John Paul Jones. Une première version avait été tentée pour l'album précédent ; il l'a
retravaillée avec pianos acoustique et électrique et synthétiseurs. La version retenue a été enregistrée aux studios
Island avec Andy Johns ; Page l'a ralentie au mixage pour l'assombrir, et a branché la guitare du solo directement dans
la console.
Lecture
La pièce la plus sombre et la plus planante du disque, presque psychédélique. En concert, de 1973 à 1979, elle devient
le grand moment de Jones au piano, qui pouvait dépasser vingt minutes.
8 The Ocean 4:28
- Début
- Bonham parle, puis le riff : la mesure raccourcie le fait boiter.
- Premier couplet
- Sur le riff, à pleine voix.
- A cappella
- Un passage chanté à trois voix, sans instruments.
- Coda
- Changement complet : rythme doo-wop, chœurs, et Plant qui s'envole.
Ce que c'est
« L'océan », c'est le public, la mer de têtes que Plant voit depuis la scène. Il chante pour lui, puis pour la personne
qui compte plus encore : sa fille Carmen, née en 1968, toute petite à l'époque. Sur scène, il mettait son âge à jour.
La musique
Le morceau s'ouvre sur la voix de Bonham, qui annonce que quatre prises ont déjà été jouées et qu'on est enfin prêt. Le riff alterne une
mesure à 4 temps et une à 7 croches : il trébuche toujours un peu. Au milieu, un passage a cappella à trois voix ; à la
fin, une coda doo-wop sans rapport avec le reste, qui accélère jusqu'à l'euphorie.
Lecture
Une fin d'album joyeuse, dédiée au public et à la famille.
